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Kahlo ermöglichte es Frauen, ihre Schmerzen und Frustrationen nach außen zu zeigen, und förderte so das Verständnis des Status der Frau in der modernen Welt. Es ist für Künstlerinnen entscheidend geworden, ein weibliches Model zu haben, und das ist das Geschenk von Frida Kahlo.
Was ist die Frau? Diese Frage ist ihr in der surrealistischen Welt sehr wichtig. Nach wiederholten Fehlgeburten wird sie sich fragen, inwieweit die Mutterschaft oder ihre Abwesenheit die weibliche Identität beeinflusst. Es verändert irreversibel die Bedeutung der mütterlichen Subjektivität. Durch die Nabelsymbolik (oft dargestellt durch Bänder) wird deutlich, dass Kahlo mit allem um sie herum verbunden ist und dass sie eine kinderlose „Mutter“ ist.
Oft allein gefunden, arbeitete sie obsessiv an ihren Selbstporträts. Sein Denken nährte ein unerschütterliches Interesse an Identität. Ihr besonderes Interesse galt ihrer gemischten deutsch-mexikanischen Abstammung sowie ihrer gemeinsamen Rolle als Künstlerin, Geliebte und Ehefrau.
Kahlo verwendet in seiner gesamten Arbeit religiöse Symbolik. Sie erscheint als Madonna, die ihre "Babytiere" hält, und wird zur Jungfrau Maria, während sie ihren Ehemann und berühmten nationalen Maler Diego Rivera wiegt. Sie identifiziert sich mit dem heiligen Sebastian und erscheint sogar zu Recht als der gemarterte Christus. Frida Kahlo positioniert sich als Prophetin, als sie in ihrem Gemälde im Stil des Letzten Abendmahls den Kopf des Tisches übernimmt, und ihre Darstellung des Unfalls, bei dem sie auf einer Metallstange aufgespießt wurde (und mit Goldstaub bedeckt ist, als "sie verwundet liegt) erinnert sich an die Kreuzigung und suggeriert ihre eigene Heiligkeit.
Frauen vor Kahlo, die versucht hatten, die verrücktesten und tiefsten Emotionen zu kommunizieren, wurden oft als Hysteriker oder zum Scheitern verurteilte Narren bezeichnet - während Männer dem "melancholischen" Charaktertypus zugehörig waren. Indem er unter der Last der Traurigkeit künstlerisch aktiv blieb, zeigte Kahlo, dass auch Frauen eher melancholisch als depressiv sein können und dass diese Begriffe nicht als geschlechtsspezifisch verstanden werden sollten.
Kleine Nadeln durchbohren Kahlos Haut, um zu zeigen, dass sie von Krankheit und Unfall "immer noch Schmerzen hat", während eine charakteristische Träne ihren anhaltenden Kampf mit dem damit verbundenen psychologischen Überfluss anzeigt.
Frida Kahlo verwendet typischerweise die visuelle Symbolik des körperlichen Schmerzes in einem langjährigen Versuch, emotionales Leiden besser zu verstehen. Vor Kahlos Bemühungen war die Sprache des Verlustes, des Todes und der Individualität von einigen männlichen Künstlern (darunter Albrecht Dürer, Francisco Goya und Edvard Munch) relativ gut studiert worden, aber noch nicht von einer Frau signifikant auseinandergenommen worden.
Tatsächlich hat Kahlo nicht nur den Einstieg in die Sprache der Malerei geschafft, sondern sie auch entwickelt und sich zu eigen gemacht. Indem Kahlo die inneren Organe buchstäblich freilegte und seinen eigenen Körper in einem blutenden und gebrochenen Zustand darstellte, öffnete Kahlo unser Inneres, um menschliches Verhalten nach außen zu erklären. Sie brachte Motive zusammen, die sich während ihrer gesamten Karriere wiederholen sollten, darunter Bänder, Haare und persönliche Tiere, und schuf wiederum eine neue und artikulierte Art, die komplexeren Aspekte der weiblichen Identität zu diskutieren. Als „große Künstlerin“, aber auch eine unserer Hingabe würdige Figur, bietet Kahlos ikonisches Gesicht dem Trauma ewige Unterstützung und sie hat einen nicht zu unterschätzenden Einfluss.
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