Reproduction des tableaux de Frida Kahlo peints à la main

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Faire une reproduction à l'huile sur toile des tableaux de Frida Kahlo

Kahlo a permis aux femmes d'afficher extérieurement leurs douleurs et leurs frustrations, et a ainsi fait avancer la compréhension du statut de femme dans le monde moderne. Il est devenu crucial pour les femmes artistes d'avoir un modèle féminin et c'est le cadeau de Frida Kahlo.

Qu'est-ce que la femme ? Cette question est très importante pour elle dans le milieu des surréalistes.  Suite à des fausses couches à répétition, elle se demandera dans quelle mesure la maternité ou son absence, affecte l'identité féminine. Elle altère irréversiblement le sens de la subjectivité maternelle. Il devient clair à travers le symbolisme ombilical (souvent représenté par des rubans) que Kahlo est connectée à tout ce qui l'entoure et qu'elle est une « mère » sans enfants.

Se retrouvant souvent seule, elle travailla de manière obsessionnelle sur ses autoportraits. Sa réflexion a nourri un intérêt indéfectible pour l'identité. Elle s'intéressait particulièrement à son ascendance mixte germano-mexicaine, ainsi qu'à ses rôles partagés d'artiste, d'amante et d'épouse.

Kahlo utilise le symbolisme religieux tout au long de son œuvre. Elle apparaît comme la Madone tenant ses «bébés animaux» et devient la Vierge Marie alors qu'elle berce son mari et célèbre peintre national Diego Rivera. Elle s'identifie à saint Sébastien et apparaît même à juste titre comme le Christ martyr. Frida Kahlo se positionne en prophète lorsqu'elle prend la tête de la table dans sa peinture de style La Cène, et sa représentation de l'accident qui l'a laissée empalée sur une barre de métal (et couverte de poussière d'or lorsqu'elle est couchée blessée) rappelle la crucifixion et suggère sa propre sainteté.

Les femmes avant Kahlo qui avaient tenté de communiquer les émotions les plus folles et les plus profondes étaient souvent qualifiées d'hystériques ou de folles condamnées – tandis que les hommes étaient alignés sur le type de caractère « mélancolie ». En restant artistiquement active sous le poids de la tristesse, Kahlo a révélé que les femmes aussi peuvent être mélancoliques plutôt que déprimées, et que ces termes ne doivent pas être considérés comme sexués.

 

Le style de Kahlo

De petites épingles transpercent la peau de Kahlo pour révéler qu'elle « a toujours mal » à la suite d'une maladie et d'un accident, tandis qu'une larme signature signifie sa bataille en cours contre le débordement psychologique associé.

Frida Kahlo utilise généralement le symbolisme visuel de la douleur physique dans une tentative de longue date visant à mieux comprendre la souffrance émotionnelle. Avant les efforts de Kahlo, le langage de la perte, de la mort et de l'individualité avait été relativement bien étudié par certains artistes masculins (dont Albrecht Dürer, Francisco Goya et Edvard Munch), mais n'avait pas encore été disséqué de manière significative par une femme.

En effet, non seulement Kahlo a fait son entrée dans le langage de la peinture, mais elle l'a également développé et l'a fait sienne. En exposant littéralement les organes intérieurs et en représentant son propre corps dans un état saignant et brisé, Kahlo a ouvert nos intérieurs pour aider à expliquer les comportements humains à l'extérieur. Elle a rassemblé des motifs qui se répéteront tout au long de sa carrière, notamment des rubans, des cheveux et des animaux personnels, et a à son tour créé un moyen nouveau et articulé pour discuter des aspects les plus complexes de l'identité féminine. En tant que «grande artiste» mais aussi figure digne de notre dévouement, le visage emblématique de Kahlo offre un soutien éternel aux traumatismes et elle a une influence qui ne peut être sous-estimée.


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